Презентация на тему Изобразительное искусство символизма. Художественные принципы и выдающиеся мастера

Моро
Пюви де Шаван


Библиография

Хорошо

известно, что вся история искусства по природе своей символична. Язык символов такой же древний, как и само искусство. Символичны пирамиды и храмы Древнего Египта, мифы и легенды Античности, библейские сюжеты и образы Средневековья, структура православного храма и древнерусская иконопись. Символизм содержится и «растворен» в любой эпохе и в любом виде искусства. Каждое художественное произведение условно, символично отражает общую картину мира.
Пользуясь собственными средствами, оно изображает «невидимое посредством видимого». Символизм обращается к миру чувственной интуиции, ищет идеи и истины в потустороннем, мистическом пространстве , воспроизводит картины далекого прошлого.

Официальной датой рождения
символизма принято считать 1886
год, когда французский поэт Жан
Мореас опубликовал в газете «Фигаро»
«Манифест символизма», который был
посвящен поэтическому творчеству
символистов.

В основе искусства символизма лежала идея
двойственности мира.

Главный тезис манифеста
Мореаса сводился к тому, что искусство призвано
выражать и облекать в плоть невыразимое и бесплотное.
Опираясь на идеи древнегреческого философа Платона, утверждавшего, что
реальность состоит из мира идей, Мореас выдвигал перед художником
следующие требования.
Обладая особым внутренним зрением, он должен «расшифровать»
скрытые значения вещей и явлений, облекать их в осязаемые формы, то есть
«объективировать субъективное».
Таким образом художник выступал в качестве
посредника между миром видимым и невидимым.

друг,
иль ты не

видишь,
Что всё видимое нами
Только отблеск,
только тени
От незримого очами?

Будущий художник родился в

1856 году — в год коронации Александра II Освободителя; последние его произведения созданы в 1906 году, то есть во время первой русской революции. период творческой активности Врубеля сравнительно невелик — чуть более 20 лет. Художественные задатки, видимо, были обнаружены рано: во время кратковременного пребывания в Петербурге отец водил восьмилетнего мальчика в рисовальные классы Общества поощрения художников, годом позже в Саратове он занимался у частного педагога, обучавшего его рисованию с натуры, потом он посещает рисовальную школу в Одессе.
Уже тогда, в детские годы, проявлялось качество, впоследствии составившее одну из примечательных особенностей Врублевского мастерства, а именно исключительная зрительная память. Так, в Саратове, после двух посещений церкви, где была помещена копия «Страшного суда» Микеланджело, девятилетний Врубель дома «наизусть, — как пишет его сестра, — воспроизвел ее во всех характерных подробностях».

До 1896 года Врубель  являлся одной из  заметных фигур  в абрамцевском кружке, он оформляет интерьеры особняков московских меценатов и буржуа, имея узкий круг клиентов, но он не участвует в выставках, и "широкая публика" о нем не знает.

Для нас «популярный» Врубель начинается
с

1890 года, когда в Москве написан «Демон (сидящий)»
Врубель утверждал, что Демон — дух не столько
злобный, сколько страдающий и скорбный, но при всем
том дух властный... величавый; что вообще «Демона» не
понимают — путают с чертом и дьяволом, тогда как черт по-гречески значит просто «рогатый», дьявол — «клеветник», а «Демон» значит «душа»...

«Демон (сидящий)»

Творчество всецело сосредоточено для

Врубеля в той области, которую можно назвать
искусством интерпретации, то есть на исполнительском
мастерстве. Таким образом, сам художник указывает
путь к постижению его «тайны» — она скрыта в
«содержании формы».

Прикосновением к запредельному является искусство в целом: касаясь взглядом раскрашенных холстов, мы творим из них образы
мадонны, ангела, цветка, весны, наступающей с прилетом грачей... вместе с
которыми мы оказываемся буквально в другом измерении. А потому
фундаментальная Врублевская метафора есть неустанное
освидетельствование «открытой тайны, которую все мы видим и не видим»
— чуда сотворения художественной иллюзии. Эта тайна подобна чуду
творения из ничего.

На картине изображена дочь владельца ссудной кассы в Киеве. Под красиво ниспадающими в виде балдахина складкам и узорного ковра красивая девочка в красивом восточном наряде, обвитая платками с кистями и расписным узором, «жемчуга огрузили шею», пальцы унизаны перстнями... Но — слишком много красоты, угнетающе много: вся мизансцена исподволь поворачивается в сторону траурных ассоциаций.

Девочка похожа на одну из

тех жен,
которых отправляли вослед умершему владыке,
перед тем обряжая со всевозможной роскошью,
так что сама эта роскошь становится знаком готовности к жертвоприношению. Бессильно упавшие руки многозначительно, крест-накрест положены ладонями на розу и кинжал — традиционные эмблемы любви и смерти.
Это не взгрустнувшая «младая дева», а сама Печаль — персонификация того духа, которым сотворена и которым проникнута сама живописная материя картины.
В сущности, такими персонификациями будут потом и женская фигурка в картине «Сирень», и гадалка в одноименной картине, да и Демона в картине 1890.

«Демон» 1890

«Сирень» фрагмент

«Гадалка»

Создатель своеобразных элегий

в живописи Виктор Эльпидифорович Борисов-Мусатов родился 14 апреля 1870 года в Саратове в семье железнодорожного служащего. Когда мальчику исполнилось три года, произошло несчастье: он упал и повредил позвоночник. Увечье, полученное в детстве, в известной мере сказалось на характере будущего художника - у него рано проявилась склонность к одиночеству, замкнутости, мечтательности.

В 80-е годы Борисов-Мусатов много рисует (чаще всего - сцены домашнего быта), пишет картину "Окно" (1886), детально, почти иллюзорно, изображая уголок сада с окном своего дома.

В августе 1890 года молодой художник

уезжает
в Москву, в Училище живописи, ваяния и зодчества.
Занятия там его не удовлетворяют, через год Борисов-
Мусатов переезжает в Петербург и в качестве вольнослушателя
начинает учебу в Академии художеств, посещая также частную мастерскую известного педагога П. П. Чистякова. Осенью 1895 года Борисов-Мусатов уезжает в Париж. Чтобы совершенствовать художественное образование, он поступает в мастерскую исторического живописца и педагога Фернана Кормона, много занимается рисунком, посещает Лувр, где восхищается Боттичелли. Среди французов
ему больше других близок Пюви де Шаванн. Возвратившись через три года в Россию, он снова
поселяется в Саратове. С этого времени в
произведениях Борисова-Мусатова появляется свой
почерк, свое видение мира.

«Колокольчики»

Борисов-Мусатов приходит в

искусство на рубеже двух веков, в эпоху
чрезвычайно сложную и исключительно
богатую крупными творческими
индивидуальностями.

Однако рядом с Врубелем, Нестеровым, Серовым, Левитаном он находит в
искусстве неповторимый самобытный путь.

«Весенний пейзаж»

«Прогулка в парке»

Началом творческого пути художника

явился "Автопортрет с сестрой" (1898), не имеющий аналогий в русском портретном искусстве. Необычно композиционное построение картины - центральное
место занимает задумчивая молодая девушка в старинном белом платье. Фигура художника срезана краем холста и будто выходит за его рамки. Это вносит как бы элемент случайности, напоминая картины импрессионистов. Живописно вещь решена по-новому. В ней обобщены цвет и форма. Особенно в пейзаже дальнего плана, имеющем сходство с декорацией. В этой картине впервые начинает воплощаться мечта Борисова-Мусатова о совершенном, гармоничном мире, появляется стремление уйти от неустроенности окружающего в идеальную страну, созданную фантазией художника.
Такое настроение, захватившее многих представителей русской художественной интеллигенции рубежа XX века, становится лейтмотивом творчества Борисова-Мусатова. В его произведениях нет исторической конкретности, "это просто красивая эпоха", как говорил сам художник.

Началом нового творческого этапа явилась

картина "Весна", давно задуманная, но завершенная
только в 1901 году. В этом полотне художник полностью
освобождается от каких бы то ни было элементов повествовательности, от всякого действия. Проникновенный образ создается музыкальностью линии, мягким и звучным цветом. Здесь все тонко сгармонировано: белоснежное цветение вишен, дымки
одуванчиков, вплетающихся
прозрачными аккордами
в спокойную
мелодию весенней зелени,
розовое мерцание неба и
легкая фигура девушки в
нежно-сиреневом платье
и красной шали.

Вершиной творчества мастера явилась картина "Водоем"

(1902), в ней поэтические грезы выражены в совершенной, законченной форме. Картина создавалась в счастливую пору жизни художника: девушка, которую он любил давно, дала согласие на брак. Летом Борисов-Мусатов с сестрой Леной и невестой В. Е. Александровой живет в Зубриловке, пишет этюды и эскизы к картине, обе девушки позируют художнику.
В картине "Водоем" все уравновешено, подчинено четкому и сложному музыкальному ритму линий и формы. Строгому ритму подчиняется и цвет, построенный на повторении синих, нежно-сиреневых и зеленых сочетаний. Картина монументальна и в то же время лирична, глубоко интимные движения души художника выражены в как бы остановленном прекрасном мгновении, зачарованном, волшебном мире красоты.

свое последнее
произведение - большую акварель "Реквием" (1905),
посвященную

памяти безвременно умершего друга,
Н. Ю. Станюкович - жены известного писателя.
"Реквием" звучит печально-торжественно, символически
передавая радости и горести человеческой жизни.

Волею судьбы, это был реквием и самому автору.
В ночь на 26 октября 1905 года Мусатов умер.

Он похоронен в Тарусе на высоком берегу, над Окой.

Моро Гюстав (1826-1898),
французский художник и график.

Родился 6 апреля 1826 в Париже.
Учился в Школе изящных искусств;
испытал влияние Т. Шассерио. Редко
продавал свои картины, поэтому почти все
его работы в настоящее время находятся в
музее Моро в Париже.

«Орфей»

Его произведения, написанные на мифологические, библейские и

аллегорические сюжеты, демонстрируют склонность к экзотике, таинственности и роскоши.
Скорее благодаря литературным аллюзиям, чем достижениям в области колористики, он способствовал возникновению символизма. Умер Моро в Париже 18 апреля 1898.

«Привидение»

Французский художник. Родился 14

декабря 1824 в Лионе. Под влиянием Шассерио Пюви де Шаванн выработал свой монументальный стиль декоративной живописи. Для его произведений характерны жесткая организация композиции и размещение фигур в пейзаже параллельными планами.

Художник оставался в оппозиции современным ему направлениям в живописи: реализму и импрессионизму. Он был идеалистом, однако его работы нельзя назвать иллюстрацией отвлеченных идей и понятий, скорее это их символическое воплощение. Посредством ритмизованного движения и сдержанного колорита Пюви де Шаванн достигал замечательного художественного единства своих композиций.

Салоне 1861, где он выставил
композицию «Согласие и Раздор»,

Пюви де Шаванн посвятил
себя монументально-декоративной живописи, написал серию
панно Житие св. Женевьевы, покровительницы Парижа, для парижского
Пантеона (1874–1878; 1898); три композиции Священная роща, Видение
античности и Христианское вдохновение для украшения лестницы Дворца
искусств в Лионе (1883–1886);
Аллегории наук и искусств в
амфитеатре Сорбонны (1887) и др.
Последней его работой стал цикл
картин для Публичной библиотеки в
Бостоне (Музы, приветствующие
Гения Просвещения, 1893–1895).
Умер Пюви де Шаванн в Париже
24 октября 1898.

«Бедный рыбак»

Итак на примерах изобразительного искусства
известных символистов, таких

как Пюви де Шаван,
Гюстав Моро, Михаил Александрович Врубель и Виктор Эльпидифорович
Борисов-Мусатов мы убедились в уникальности и прелести искусства
символизма. Вступая в непримиримый конфликт с искусством реализма и
натурализма, отрицая рабское подражание реалистической природе,
символисты сделали попытку постичь
внутреннюю тайну бытия, суть вещей и
явлений, выразить их «изначальную
идею».

Особенностью символизма, как
художественного направления рубежа XIX-XXвв.
явилось то, что

впервые были теоретически
обоснованы его характерные черты. На практике
символизм дал мощный импульс для успешного
развития многих видов искусства, и прежде всего
поэзии и живописи, театра и музыки.
Я считаю, что мой проект имеет
также практическое применение . На мой взгляд
это наглядное пособие по мхк, для знакомства с
изобразительным искусством символизма.